A visão de Macbeth de Kurosawa é igualmente trágica. O diretor nunca escondeu sua admiração pelas obras de Shakespeare, vide "Ran" 1985 inspirada em Rei Lear. "O Homem mau dorme bem"1960. Obras que mostram a intimidade que o diretor japonês cultivou ao longo de sua filmografia, cujas obras ajudou a definir sua linguagem cinematográfica.
Kurosawa também nunca escondeu que Macbeth é a tragédia que ele mais gostava, e dai explica o longo tempo em produzir esta obra, mais do que o habitualmente levou em outras adaptações. Logo após finalizar Rashomon 1950, ele queira fazer Macbeth mas soube que Orson Wells estava realizando essa adaptação, então Kurosawa adiou sua versão.
Em japonês a obra saiu com o título "O castelo da Teia de Aranha" que também é o feudo onde a trama se desenrola. Dois samurais, Washizu (Toshiro Mifune) e Miki (Minoru Chiaki) ao retornar da batalha contra o traidor Fujimaki que tentou usurpar o trono do imperador, se dirigem para o Castelo da Teia de Aranha e ao passar pela floresta da teia de aranha, os dois samurais se deparam com um espirito maligno, que profetiza que eles estão predestinados a grandezas, e que naquela mesma noite essa profecia se iniciará.
A destreza com que Kurosawa realiza os planos e eventos, aliados a uma fotografia que lembra traços de nanquim, confere a saga de Washizu uma dramaticidade sombria. As atuações são marcadas pelas expressões faciais característica do teatro Kabuki, presente nas obras do diretor.
Trono Manchado de Sangue assim como a obra de Shakespeare carrega a máxima freudiana dos "arruinados pelo êxito" pois a realização de um grande desejo inevitavelmente e inexoravelmente traz angustias, ansiedade suspeitas de perseguição, uma vez que manter os louros dessa grande realização requer viver entre a falta e o desejo e essa é nossa constituição predominante na busca por grandes vitórias.
O roteiro é uma adaptação do livro noir King's Ranson do escrito americano Ed McBain. E a trama gira em torno do sequestro de um garoto, e o dilema de um alto executivo, Gondo (Toshiro Mifune) para pagar o resgate.
Kurosawa consegue criar uma atmosfera de suspense e ao mesmo tempo tecer uma dura crítica social, expondo as favelas e o submundo japonês. Os diálogos, ao menos nas legendas, são potentes e com alta cargas moral e ética dos costumes japoneses. O título já traz essa critica, no qual no alto da colina, como um monte Olimpio, vivem os ricos e poderosos e abaixo, os menos favorecidos.
A atuação de Mifune é carregada de nuances, de homem poderoso e até arrogante por conta do dinheiro, e quando se vê desprovido desse se transforma em um preocupado pai, numa humanização muito bem trabalhada pelo roteiro. Os demais personagens, também seguem esse dilema, tendo como contraponto, o antagonista, o sequestrador que arquiteta o crime por pura vingança e revolta contra o sistema que o condena e uma maneira ou outra, pelo fato de ser pobre.
A fotografia e o movimentos, seja de câmera ou dos personagens, são uma verdadeira aula de cinema, principalmente na cena do bar, quando o sequestrador é seguido por detetives. A tensão impressa nas cenas do trem, onde acontece a entrega do dinheiro para o sequestrador, é arrebatadora. No IMDB diz que a cena foi realizado no trem de Yokohama, e os takes eram únicos, pois não havia muito tempo, e que 4 vagões foram alugados para as cenas. E por ai é possível ter uma noção da segura e precisa direção de Kurosawa.
Esse filme de 1963 é tido como um dos melhores filmes de procedimentos policias, bem ao estilo dos CSI que existem hoje.
Três diretores, três histórias sobre a mega metrópole Tokyo. O resultado são narrativas surreais, bem ao estilo Borges e Cortazar, onde o protagonista é uma cidade que molda e é moldada pelo seu tecido social.
Interior design
Michel Gondry
Michel Gondry explora o disputado espaço da cidade, um dos metros quadrados mais caro do planeta, e a fábula dos fantasmas das frestas é sensacional, e confere o estilo surreal de sua história. O casal Hiroko (Ayako Fujitani) e Akira (Ryô Kase) estão tentando se instalar em Tokyo, mas tem pouco recurso financeiro, e são ajudados por uma amiga, que os aloja em seu apartamento até que o casal consiga moradia. As coisas começam a fugir do controle, e a partir dai se instala um senso de utilidade, pois a cidade demanda essa questão, imposta por um capitalismo pungente. O casal entra em crise, e Hiroko se vê como uma espécie de ancora que impede o progresso de Akira.
Se sentir útil em uma sociedade no qual o consumo se choca com milenar cultura, desencadeia em Hiroko um sentimento de afastamento e um visão inanimada de si próprio, e se em Kafka a barata encarna o fim mais asqueroso, a cadeira para Gondry é algo mais do que útil, é milenar, cultural e civilizatório, e assim se dá a metamorfose de Hiroko que se transforma no fantasma da fresta em forma de cadeira, e que não poderia cair em melhores mãos, a de um professor.
A condução da história tem nuances poética, com belíssima fotografia e interpretações, com discreta critica ao estilo de vida de megas metrópoles, o que de certa forma é universal, mas que no caso ocidental tem uma variável cultural de tradições milenares.
👍👍👍👍
Merde
Leos Carax
Carax vai buscar nos animes e desenhos de monstros que devastam Tokyo, e sempre surgem da radiação e lixo industrial, inspiração para "o mostro do esgoto"(Denis Levant), uma figura desprovida de todo e qualquer apego material e com aparência grotesca. Creio que há também nesse curta critica ao consumo, não a toa a interação do mostro se dá em calçadas repletas de vitrines de grifes onde os japoneses exibem e desejam novos status.
A fotografia sem dúvida chama atenção, e quando há a prisão do mostro, as composições da fotografia lembram Caravaggio. A narrativa é non sense, ou com profunda abstração, característica que vai marcar o cinema de Carax, que em 2012 lança Holly Motors. Os diálogos são poucos, e nisso em minha percepção retrata o obstáculo da língua oriental versus ocidental. Há também uma espécie de criador e criatura, no qual o primeiro não percebe sua criação uma vez que é o avesso daquilo que o criador se imagina ou se vê, uma consequência de sua existência e portanto sumariamente negado.
👍👍👍
Shaking Tokyo
Bong Joon Ho
O diretor sul coreano opta por uma narrativa que explora as relações humanas, e ainda sim surreal, e mesmo amparada em um fenômeno tipicamente japonês, que é o hikikomori, pessoas que se isolam, em suas casas ou apartamento, com intuito de evitar qualquer contato com outros humanos, ainda sim é um algo no mínimo estranho para orientais, imagina para o ocidente.
Um homem (Teruyuki Kagawa) narra sua existência nos últimos 10 anos de isolamento, que é alterado quando um fato inusitado o coloca em contato com uma entregadora de pizza (Yû Aoi). A condução de Joon Ho é primorosa, elegante com alto poder de empatia por personagens dos quais nada se sabe, a não ser do protagonista.
Em minha percepção a melhor história das três. É curioso, um pais que mata baleias, tenha uma termo para designar pessoas que para o ocidente são vistos apenas como anti social, reclusa, é claro que a reflexão, é imersa na mais profunda abstração, mas que em minha percepção reflete esse choque entre o moderno e o milenar, algo que de alguma forma foi explorado, mesmo que de forma sutil pelos três diretores.
Os filmes de Miike carregam em sua maioria, a violência com doses bem trabalhadas de humor e uma um preocupação estética que salta os olhos a cada cena. Em Primeiro Amor, a principio pensei em se tratar de um reboot do True Romance de Tony Scott, cujo roteiro é de Tarantino, com quem Miike tem parceria, basta lembrar Sukiyaki Western Django. A premissa é bem parecida e pueril, jovem solitário Leo (Masataka Kubota), desacreditado pelo médico, encontra jovem Mônica (Sakurako Konishi) explorada pela Yakuza. A partir dai, o casal é perseguido pela máfia e a polícia. A plasticidade das cenas coreografadas aliada a bela composição de enquadramento confere ainda mais atrativo para trama, e entretenimento, o mesmo vale para as transições, de ações que começam em um personagem e tem continuidade em outro, o que demonstra cuidadoso planejamento dos planos. A violência, outra característica nos filmes de Miike, tem requinte, vide Audition 1999, e humor. As cenas em que Kase (Shôta Sometani) tenta esconder sua traição perante o clã Yakuza com uma série de cagadas, bem ao estilo irmãos Cohen, e a ótima atuação, a melhor em minha percepção, já vale o entretenimento. Um ótimo filme, tanto do ponto de vista narrativo, como estético.
