Amarelo Manga

 

Por Pachá

Era uma quarta feira, dia 29 de junho, e após 20 anos do lançamento do filme em circuito nacional, Amarelo Manga é exibido em 35mm no EstaçãoNet. É muito interessante perceber como uma obra resiste a maior prova, que é a prova do tempo. Tarkovski escreveu que o tempo é que defini se uma uma obra é arte ou uma reprodução equivocada de uma realidade. 

Ao rever Amarelo Manga na telona, fiquei com o mesmo incomodo de quando o assisti pela primeira vez no Festival do Rio, achei e continuo achando desnecessário a cena do matadouro, em que é mostrado o abate. Na época essa cena foi estimulo para minha primeira tentativa de parar de comer carne, mas esse vegetarianismo durou alguns meses. Hoje já não como carne vermelha a dois anos e a cena reforçou minha convicção de continuar e parar de comer também qualquer tipo de carne de origem animal.

O filme continua visceral, com atuações primorosas. A personagem principal, a cidade de Recife e o rio Capibaribe são delineados pela câmera de Walter Carvalho, e como canta a galera do manguebeat, "a cidade não para, a cidade só cresce..." é um extra campo formidável, pois sabemos ou ficamos com a sensação a cada cena, que ali do lado o rio acompanha seus atores sociais, ainda que estes não sejam muito cuidadosos no trato do rio.

Um outro ponto na fotografia, é a crueza do universo, e este não é criado, o Texas Hotel é aquele mesmo, o bar avenida é real, se há o aspecto cênico é justamente pelo fato de que a realidade precisa da ficção e o salva guarda da linguagem cinematográfica. E nesse ponto o trabalho de Miguel Rio Branco no início dos anos 80, no bairro Maciel em Salvador é uma das referências mais nítidas, até porque os universos são bem parecidos.

O moralismo e libido é a linha condutora dos personagens de Dira Paes e Chico Dias e junta-se a eles Dunga vivido por Matheus Nachtergaele. O mesmo se dá com Isaac (Jonas Bloch) e Ligia (Leona Cavalli) só que esses sabem que o pudor é uma forma pouco eficaz de controle das pulsões. Lígia vive sufocada por um universo machista. Isaac um arrivista com estranhos prazeres. Não há qualquer aprofundamento dos personagens, e a trama se passa entre o amanhecer e o anoitecer, ou seja,  não há subversão do tempo, este está na cronologia do tempo real, do relógio.

A interpolação dos personagens são bem conduzidas pela direção de Claudio Assis que levou a risca a máxima de Tosltoi, se quiser falar do mundo, comece primeiro pela sua aldeia. E o que ficou impresso na película, é isso, uma cidade, um bairro que abriga os mais diversos tipos dos quais o diretor tem profundo conhecimento, e isso é fundamental para conferir a veracidade interna de uma obra.

Amarelo Manga em minha percepção é uma das obras primas do cinema nacional em um ano que nos deu, Cidade de Deus, O invasor etc...e quebrou o eixo Rio-SP nas produções.

magnetlink amarelo_manga 2002

Natimorto

Por Pachá

A negação da existência é, talvez, a maior vingança contra vida e essa ode a morte ainda em vida é o que move o agente musical (Lourenço Mutarelli) que se encanta pela jovem promessa da musica, Simone Spoladore.

A trama mistura tarô com as funestas mensagens, "o ministério da saúde adverte" que vem estampadas nos maços de cigarro no qual o roteiro trabalha os subjetivos conceitos de azar e sorte. O primeiro ato cria interessante perspectiva de uma relação nada convencional, baseado no estranhamento, mas que nos atos seguintes ganha estrutura mais teatral com diálogos forçados.

O filme que estreou no festival do Rio de 2009 é uma aposta do cinema não realista que foge ao gênero dominante do período, o favela movie. A aposta de Machline é explorar os males modernos, ansiedade, fracasso, sexualidade e todo tipo de fobia que assombra os sapiens das grandes metrópoles.

As atuações são muito bem conduzidas, Spoladore em minha percepção é a cara do cinema independente nacional, com uma uma mistura de sensualidade, expressões faciais e gestos magnéticos que cativa e aprisiona o olhar. Mutarelli incorpora seus personagens das graphic novel que tanto o consagrou como, Transubstanciação e o Rei do Ponto. Betty Gofman ainda que possua poucas cenas, tem grande presença, esbanjando talento e versatilidade com a esposa desconfiada e cética, ela é o contraponto realista da trajetória surrealista do agente.

Ainda que as expectativas criadas no primeiro ato não se realizem, e a trama fique estacionada, tal qual os protagonistas, Natimorto tem boas passagens, com boas atuações e vale o esforço para assisti-lo.

magnetlink Natimorto 2009

You Won't be Alone

 

Por Pachá

Com uma narrativa poética seguimos as várias vidas de uma bruxa, como forma de sobrevivência em aldeias na Macedônia do século XIX. A estrutura narrativa tem como grandes referências o cinema de Terence Malick e Robert Eggers.

A definição da palavra monstro só adquiriu o significado de horror, maligno na idade média. Na antiguidade monstruosidade era algo relacionado a maravilha, extraordinário algo fora do comum. O roteiro se ampara nessa polissemia da palavra monstro ao justapor as protagonistas, Velha Maria Donzela (Anamaria Marinca) a devoradora de lobos e Nevena (Sara Klimoska), mestra e pupila respectivamente, uma amargurada por uma vida incompleta a outra tentando sobreviver as amarguras de uma vida dura para mulheres em um mundo patriarcal.

A fotografia é pulsante, viva, câmera sempre em movimento para nos mostrar as experimentações de Nevena, que ainda bebê foi mantida longe de outro seres humanos e após sair da caverna em que cresceu e ao perceber que sua mãe sussurrante se transformou em sua mãe-diabo, se recusa a ser aquilo que ela ensina como forma de sobrevivência, e disso resulta uma luta constante entre o ódio e ternura. Nevena aprende como usar a pele de outros seres, e abandona Velha Maria, ou melhor, é abandonada por esta, que observa de perto como Nevena se mistura aos camponeses mortais.

As atuações com parcos diálogos, grande parte narrado por Nevena, ainda sim entregam boas presenças de cena conferido grande naturalidade ao encadeamento dos eventos e as várias facetas de uma mesma bruxa. Sara Klimoska encarna a ternura, Alice Englert a resiliência, Noomi Rapace a inocência, e aqui vale uma observação para essa atriz, que cada vez mais da mostras de que é incapaz de fazer algo ruim na telas.

Ainda que tenha ritmo lento, as atuações imprimem grande dinamismo e, creio, vai agradar aos mais aficionados pelo gênero assim como público comum sempre ávido por uma boa história. 

You won't be alone é um filme de terror que carrega grande dose de sensibilidade sensorial e reflexões sobre o que é ser humano e as intrínsecas interrelações entre os sapiens e a natureza, pois consegue escamotear com grande naturalidade uma trama maniqueísta.

magnetlink You Won't Be Alone

Legenda PtBr

Throne of Blood

Por Pachá

A visão de Macbeth de Kurosawa é igualmente trágica. O diretor nunca escondeu sua admiração pelas obras de Shakespeare, vide "Ran" 1985 inspirada em Rei Lear. "O Homem mau dorme bem" 1960. Obras que mostram a intimidade que o diretor japonês cultivou ao longo de sua filmografia, cujas obras ajudou a definir sua linguagem cinematográfica.

Kurosawa também nunca escondeu que Macbeth é a tragédia que ele mais gostava, e dai explica o longo tempo em produzir esta obra, mais do que o habitualmente levou em outras adaptações. Logo após finalizar Rashomon 1950, ele queira fazer Macbeth mas soube que Orson Wells estava realizando essa adaptação, então Kurosawa adiou sua versão.

Em japonês a obra saiu com o título "O castelo da Teia de Aranha" que também é o feudo onde a trama se desenrola. Dois samurais, Washizu (Toshiro Mifune) e Miki (Minoru Chiaki) ao retornar da batalha contra o traidor Fujimaki que tentou usurpar o trono do imperador, se dirigem para o Castelo da Teia de Aranha e ao passar pela floresta da teia de aranha, os dois samurais se deparam com um espirito maligno, que profetiza que eles estão predestinados a grandezas, e que naquela mesma noite essa profecia se iniciará.

A destreza com que Kurosawa realiza os planos e eventos, aliados a uma fotografia que lembra traços de nanquim, confere a saga de Washizu uma dramaticidade sombria. As atuações são marcadas pelas expressões faciais característica do teatro Kabuki, presente nas obras do diretor.

Trono Manchado de Sangue assim como a obra de Shakespeare carrega a máxima freudiana dos "arruinados pelo êxito" pois a realização de um grande desejo inevitavelmente e inexoravelmente traz angustias, ansiedade suspeitas de perseguição, uma vez que manter os louros dessa grande realização requer viver entre a falta e o desejo e essa é nossa constituição predominante na busca por grandes vitórias.

magnetlink Throne of Blood 1957

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X

Por Pachá

Uma equipe de cinema independente aluga uma fazenda no Texas para realizar um "dirty movie", As Filhas do Fazendeiro. Os proprietários, Howard (Stephen Ure) e Pearl (Mia Goth)  um casal de idosos, não fazem ideia do que o grupo está realizando, mas vai ao encontro dos desejos reprimidos de Pearl.

Ti West mostra que é possível desenvolver um bom filme de terror com referências aos clássicos dos anos 70/80, e o mais notório de todos sem dúvida é "Texas Chainsaw Massacre" de 1974, sem necessariamente seguir a mesma linha de eventos deste. E vale lembrar que West escreveu, produziu, dirigiu e montou X, e isso mostra a liberdade que A24 dá aos seus produtores e diretores.

Uma equipe de filmagem, na qual a estrela Maxine (Mia Goth) em papel duplo, ela também faz a idosa Pearl. Maxine acredita que merece o melhor que a vida pode reservar pra ela. Em seus devaneios megalômanos a base de cocaína, ela acredita que o filme produzido pelo seu namorado, Wayne (Martin Handerson) pode transformá-la em uma estrela famosa. O mesmo pensa o câmera RJ (Owen Campbell) ao acreditar que pode fazer cinema arte a partir de algo "ruim". Lorraine (Jenna Ortega) namorada de RJ não compartilha da visão de Rj, e não está confortável com o que estão prestes a realizar. Bobby-Lynne (Brittany Snow) encara como mais um trabalho que possibilitara pagar as contas. Jackson (Kid Cudi) um veterano do Vietnã vê nesse projeto uma oportunidade de carreira no segmento de filmes adultos.

O primeiro e o segundo ato, são muito bem desenvolvidos na apresentação de personagens e na ambientação dos conflitos, e nesse ponto o roteiro e direção pontua de forma muito eficaz a diferença entre X e os filmes do gênero, quando deixa claro que seus personagens não são idiotas, puritanos, românticos ou movidos por instintos sexuais reprimidos, ao contrário eles sabem dos riscos, e se e quando escapam deles é por pura sorte, e a cena do banho de lago deixa claro essa idéia.

As atuações são eficientes, Brittany Snow está muito bem, com ótimas falas e desenvoltura nas cenas eróticas. Mia Goth é a grande presença, com expressão corporal e facial que transmite certo contraste entre o angelical e diabólico, e nesse ponto é fácil fazer a justaposição entre as personagens Maxine e Pearl. Os demais personagens mostra entrosamento e alinhamento com proposta do roteiro, ou seja, fornecer lastro para um narrativa que se distancie dos filmes aos quais X faz referência.

De acordo com o diretor, em entrevista, foi gravado um filme secreto durante as gravações de X, no qual explora o passado de Pearl. É esperar e ver se West vai conseguir manter o mesmo padrão.

magnetlink X 2022

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El Prófugo

Por Pachá

Com forte influência do cinema de Dario Argento, El Prófugo consegue manter uma boa atmosfera de suspense entre o real e imaginário.

Inés (Erica Rivas) é cantora e dubladora e após um evento traumático, começa apresentar problemas durante gravações, que nos leva crer se tratar de interferência do próprio campo elétrico magnético do corpo de Inés. E a partir dai Inés se vê imersa entre os devaneios de sua mente, entre e o que é real e sobrenatural. 

Erica Rivas que muitos devem lembrar, a noiva furiosa de "Relatos Selvagens" entrega uma boa performance com uma atuação sem exageros e transita muito bem entre uma profissional preocupada com seu futuro e o tormento de ser assombrado por algo além de sua compreensão. A condução da trama é bem sútil e dispensa o sangue do estilo Giallo certamente uma fonte inspiradora, mas nem por isso perde ritmo ou impacto

A fotografia de Barbara Alvarez cria boa ambientação, aproveitando sombras e assim com Argento utiliza muito bem as fontes de luz artificial para amplificar o suspense. 

Com um desenvolvimento muito bem resolvido, o final peca com um desfecho um tanto decepcionante, meio comedioso, desconstruindo todo o resto do filme.

El Profugo / The Intruder 2020 

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The Batman

 

Por Pachá

O novo filme de Batman tem uma influência muito forte no cinema noir, principalmente no que tange a fotografia de Greig Fraser. Outro é o caráter investigativo na qual a maior inspiração é Zodíaco 2007 de David Fincher, mas vale para qualquer filme em que há toda uma simbologia cercando e guiando crimes em série, e nesse sentido Fincher é um grande representante, Seven e Zodiac estão profundamente imersos nessa narrativa.

O ambiente sombrio de Gotham nunca foi tão bem construído, e isso é fruto do pioneirismo de Greig Fraser no StageCraft que ao invés de usar a tela verde, usa grandes telas de alta definição para inserir cenários em tempo real. Essa Gotham em processo de autofagia como bem saliente Bruce e como ardoroso defensor, lutando contra o crime, carrega em sua alma sombria, o dilema da tênue linha divisória que o separa da escória de Gotham. E nesse sentido temos um Batman barroco, basta ver sua moradia, a batcaverna, o batmóvel etc.

O visual escuro, com personagens quase nas sombras sendo delineados por poucas fontes de luz é o grande diferencial visual desse filme de herói baseado em HQ, quando o que se tem no gênero é muita luz, muito brilho e grandes fontes de luz. Outro ponto a ressaltar é que esse, em minha percepção, é o Batman mais humano, dado que o próprio personagem dos quadrinhos não tem grandes poderes, a não ser um raciocínio rápido e condição física do corpo elevado ao máximo da perfeição em força e velocidade, que é amplificada pelo uniforme, este está bem marcado por várias batalhas, marcas de balas e outras cicatrizes. E por outro lado traz certas contradições, a cena em que Bruce desenha um fluxograma ou mind map dos eventos criminosos com tinta e spray e no chão da mansão, confesso que me pareceu desnecessária e pouco condizente com elevado poder cognitivo do homem morcego.

As atuação são bem acertadas, Pattinson está perfeito, poucas falas, olhar atormentado e com visual que lembra Brandon Lee em The Crow 1996. Zoë Kravitz tem boa presença como mulher gato, mas nada que surpreenda. Paul Dano como Charada está muito bem, mesmo em poucas cenas em que aparece. A cena em que Batman encontra Charada em Arkham dá a dimensão do quão foi acertada essa dupla, e também de como o filme de Fincher inspirou a trama, basta ver o retrato falado do serial em Zodiac e Paul Dano.

As 3 horas de filme, com cenas cheias de detalhes, fica claro que o diretor teve muita liberdade de criação e tomada de decisão quanto a estética do filme, e nada é mais claro que a opção por uma trama com eventos 99% noturnos, como é a dinâmica de um morcego. A cena de luta no corredor na qual o brilho dos disparos de armas é a única luz, é também uma mostra da ousadia da direção, ainda que prejudique em muito as cenas de lutas, que em minha opinião seria o ponto forte de uma filme de super heróis, e mais uma vez não é o que se vê, ao contrário, o que vemos é uma coreografia de simples movimentos mas com muita velocidade em lutas que mais parecem brigas de rua, nada mais crível para um super herói sem poderes, não é mesmo...

Um outro ponto a ressaltar em The Batman é que não se trata de um filme de ação, e sim um filme de investigação, um thriller com uma trama muito bem estruturada e instigante na qual mesmo que não atenda as expectativas dos mais fervorosos fans, agrada e sem dúvida deixa um gostinho de continuação.

Para as franquias centradas em Graphic Novels (HQ) creio que há um certo esgotamento do gênero ou da fórmula, e creio que cada vez mais os filmes de super heróis estão se aproximando das narrativas do cinema dos anos 70 e 80, ainda que se amparem com grandes tecnologias como CGI e StageCraft.

magnetlink The Batman 2022

Legendas PtBr incluida no torrent

El Perro Que no Calla

 

Por Pachá

É certo que quando chegamos ao mundo, ou seja, nascemos, já encontramos esse mundo pronto, e a partir da observação desse mundo e de outros humanos é que nos tornamos igualmente humanos. É certo também que se adaptar a esse mundo está cada vez mais complexo. E partindo dessa premissa Ana Katz traça a trajetória de Sebastian (Daniel Katz), um jovem na casa dos 30 anos em sua busca por um lugar nesse mundo.

A fotografia em preto e branco confere a narrativa elementos surreais, amplificando o drama de Sebastian que de design gráfico, passa a caseiro de fazenda, agricultor, professor. A sua trajetória é uma espécie de síntese de sua geração, que vive as incertezas do condicionamento de um mercado de trabalho cada vez mais seletivo, e porque não cruel, quando emprega cada vez menos, com salários mais baixos em detrimento da maximização de lucros.

As atuações, mostram um elenco bem trabalhando, em situações quase naturalistas e bem entrosado na critica social a uma argentina em constante crise forçando as pessoas a adotar um espirito de readaptação constante. Isso fica bem marcado na cena em que uma estranha doença faz com que as pessoas não consigam ficar eretos, acima dos 1,20cm, a não ser com auxílio de um capacete especial, coloca em xeque os abismos sociais, uma vez que os mais ricos conseguem tem acesso a esse capacete, enquanto os mais pobres precisam andar agachados.

O cinema argentino sempre dando mostras de sua maturidade quando comparado aos demais países da América Latina, não que isso signifique superioridade, e sim por conseguir desenvolver narrativas e linguagem muito próxima ao cinema europeu, mas guardado a regionalidade pertinente ao seu lugar de fala.

magnetlink El Perro que no calla 2021

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Saint Maud

Por Pachá

Os esforços para se encaixar em grupos sociais e se sentir parte de algo é uma das características dos sapiens. Evoluímos enquanto espécie justamente por essa capacidade de se organizar em sociedade e com isso controlar nossas pulsões de morte.

Maud (Morfydd Clark) é uma enfermeira devota e dedicada a sua paciente Amanda (Jennifer Ehle). Maud acredita que foi escolhida por Deus para preparar Amanda em sua passagem. A rotina de Maud é pautada nos conflitos entre desejo, salvação e auto flagelação. Enquanto Amanda, uma artista e atéia, espera a morte, Maud sofre por possuir uma visão do mundo própria dos fanáticos religiosos, e essa alegoria é a premissa explorada pela narrativa em um ciclo perigoso de horror, se por um lado Maud procura abrigo e conforto na religião, por outro essa serve como justificativa para cometer atos terríveis, afinal, em nome de Deus e o amor, os sapiens vem cometendo atrocidades contra seus semelhantes.

A atuação de Morfydd Clark é muito boa e encarna uma personagem cuja narração de sua própria realidade é fruto de uma mente em processo de danos "irreversíveis". Os demais personagens servem para contrapor essa realidade e não deixar qualquer dúvida quanto a realidade de Maud. 

A atmosfera criada segue a risca a estética que está definindo a produtora A24, que mesmo quando não tem qualquer interferência na construção da narrativa, aposta em tramas de estranhamento, de horror psicológico. A fotografia de Ben Fordesman é muito atraente no sentido de criar uma áurea de estranhamento, com ângulos e iluminação que amplifica os conflitos internos da Maud.

Saint Maud é um exemplo de como a incapacidade de interação social e consequente solidão pode empurra um individuo para o abismo, cuja salvação é a aceitação dessa realidade, e a morte um deleite.

magnetlink SaintMaud 2020

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High and low (Céu e inferno)

 

Por Pachá

O roteiro é uma adaptação do livro noir King's Ranson do escrito americano Ed McBain. E a trama gira em torno do sequestro de um garoto, e o dilema de um alto executivo, Gondo (Toshiro Mifune) para pagar o resgate.

Kurosawa consegue criar uma atmosfera de suspense e ao mesmo tempo tecer uma dura crítica social, expondo as favelas e o submundo japonês. Os diálogos, ao menos nas legendas, são potentes e com alta cargas moral e ética dos costumes japoneses. O título já traz essa critica, no qual no alto da colina, como um monte Olimpio, vivem os ricos e poderosos e abaixo, os menos favorecidos.

A atuação de Mifune é carregada de nuances, de homem poderoso e até arrogante por conta do dinheiro, e quando se vê desprovido desse se transforma em um preocupado pai, numa humanização muito bem trabalhada pelo roteiro. Os demais personagens, também seguem esse dilema, tendo como contraponto, o antagonista, o sequestrador que arquiteta o crime por pura vingança e revolta contra o sistema que o condena e uma maneira ou outra, pelo fato de ser pobre.

A fotografia e o movimentos, seja de câmera ou dos personagens, são uma verdadeira aula de cinema, principalmente na cena do bar, quando o sequestrador é seguido por detetives. A tensão impressa nas cenas do trem, onde acontece a entrega do dinheiro para o sequestrador, é arrebatadora. No IMDB diz que a cena foi realizado no trem de Yokohama, e os takes eram únicos, pois não havia muito tempo, e que 4 vagões foram alugados para as cenas. E por ai é possível ter uma noção da segura e precisa direção de Kurosawa.

Esse filme de 1963 é tido como um dos melhores filmes de procedimentos policias, bem ao estilo dos CSI que existem hoje. 

magnetlink High and Low 1963

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Sem seu Sangue

 

Por Pachá

As dores, incertezas, aflições que rodeiam a transição da adolescência para fase adulta é uma fonte inesgotável para o cinema, dado que a cada geração e mudança de hábitos da sociedade esses conflitos ganham outras nuances.

Silvia (Luiza Kosovski) é uma adolescente que precisa lidar com a perda de seu namorado, Arthur (Juan Paiva) que é hemofílico. A linguagem narrativa com poucas explicações, bem ao estilo video clipe, explora as reações de Silvia sob a ótica imediatista e pouca estrutura para lidar com frustrações e perdas que caracterizam a geração dos anos 2000 ou Z.

A trama ganha atmosfera misteriosa quando Silvia parte para entender seu sofrimento ao procurar pessoas próxima a Arthur. Nessa viagem que também representa o autoconhecimento, o roteiro imprime estranheza e falta de lógica para compor o universo da personagem, e ai, não sei se foi intencional, mas fiquei com a percepção de falta de empatia pela personagem, como aqueles que sofrem com dedo furado por um alfinete, ou seja, um sofrimento arquitetado por um demanda oportunista. Entendo que há todo um trabalho para fugir dos filmes teenagers com personagens condenados a morte por um câncer ou doença rara.

A fotografia de Felipe Quintelas é primorosa, com enquadramentos e movimentos que auxilia o ritmo amplificando o ar misterioso, com muito uso de neon, lembrando os filmes de Nicolas Winding Refn, mas precisamente Neon Demon.

As atuação não ferem nem engrandecem a trama, mas Luiza Kosovski carrega bem esse ar de agonia silenciosa dos adolescentes, ainda que os diálogos e sua narração sejam um pouco forçada.

Sem seu Sangue vale muito ser visto, ainda que fique restrito a uma público mais atento para esse tipo de narrativa.

magnetlink sem seu sangue

Última Noite no Soho

Por Pachá

Não há nada mais confortante do que se abrigar em um passado idealizado, romantizado quando o presente se apresenta como algo hostil e assustador.

Última Noite em Soho é um terror clássico, com grandes referências aos filmes do gênero. E que possui a premissa de confrontar o moderno o novo com antigo, vintage.

Eloise (Thomasin McKenzie) é uma jovem do interior que vai para Londres com intuito de se tornar uma estilista. Embalada pela música dos anos 60, Eloise tem um histórico familiar complicado e desde que sua mãe faleceu, ela foi criada pela vó e tem visões da mãe. E ao alugar um quarto nos arredores do Soho ela começa viver uma vida, em sonho, de uma garota, Sandy (Any Taylor-Joy) munida dos mesmos ideias que Eloise, conquistar um espaço e fama. E não tarda para os sonhos se transformarem em pesadelos.

Edgar Wright não tem medo ou pudor de usar os clichês do gênero e o faz com grande propriedade conferindo a trama certa elegância e imprevisibilidade, em um roteiro enxuto é bem construído.

A transição entre passado e presente é um dos pontos altos da produção, aliado a uma fotografia bem trabalhada com luzes neons que amplifica ainda mais a atmosfera nostálgica, em uma trama que lembra muito o gênero Giallo e filmes de suspense dos anos 60.

As duas atrizes entregam atuações em alto nível, destaque para Anya Taylor-Joy que tem um arco dramático um pouco mais trabalhado e Thomasin um personagem mais construído. E uma homenagem a Diana Rigg que vive Ms Collins, que brilhou nos anos 60 em filmes como 007 a serviço secreto de sua majestade, As 7 máscaras da morte, etc

Para os fãs do gênero Última Noite em Soho não vai decepcionar, ainda que o desfecho seja um tanto básico, quando comparado com o desenvolvimento da trama até o ato final.

magnetlink The lastNight in Soho

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Lamb

 

Por Pachá

Com ritmo lento e imerso na total falta de lógica como narrativa, Lamb tem a mesma atmosfera de The Witch 2015, aliás há muitas similaridades entre os filmes, e não é pelo fato de ambos serem produtos da A24. Há uma simbologia pautada na bíblia na qual a figura paterna é associada ao anjo caído, Lúcifer e também da escolha do carneiro, que na bíblia é associado a figura do menino Jesus.

María (Noomi Rapace) e seu marido, Ingvar (Hilmir Snær Guðnason) vivem isolados numa fazenda na Islândia, na qual criam ovelhas e carneiros. A rotina é tão monótona quanto pesada, mas ambos parecem resignados em um pesar por alguma perda que é muito bem trabalhada pelo roteiro ao encaixar as peças que preenchem a historia pregressa de María e Ingvar.

A rotina do casal é quebrada quando adotam uma bebe ovelha, e a partir desse ponto é exposto toda aposta do roteiro em uma narrativa alicerçada na falta de lógica e do estranhamento. A chegada de Pétur (Björn Hlynur Haraldsson) irmão de Ingvar coloca em curso uma trama paralela que sugere um relacionamento antigo e infiel de María com Pétur e que também explica, mesmo que muito sútil, o pesar do casal, María e Ingvar, que mais tarde ficamos sabendo se tratar da perda de uma filha.

Embora a A24 tenha distribuído o filme, ela não teve qualquer intervenção criativa na obra, ou seja, a A24 comprou uma obra pronta. A produção executiva é de Noomi Rapace e Béla Tarr. A fotografia explora as grandes paisagens islandesa explorando a solidão e nossa impotência diante da natureza indomável.

A parte do realismo fantástico fica por conta do bebe híbrido e a fácil conotação com personagens bíblicos, como Maria, Pedro, o fato de Ingvar ser marceneiro e a própria forma como esse bebê ovelha é adotado e de como esse bebê inspira compaixão em um presépio bizarro.

Lamb é da safra dos filmes de terror contemporâneo que aposta não só no manjado maniqueísmo forças maligna versus bem, mas também, no ser humano como criador de seu próprio inferno onde há uma conjunção do surrealismo e da vida dura e implacável na qual nos apegamos como lastros do oficio de viver, e ai é fácil se expor ao estranho e adotá-lo como normal.

magnetlink Lamb 2021

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Microhabitat

Por Pachá

O cinema contemporâneo coreano está imerso em uma premissa que permeia a grande maioria das produções, uma critica social ferrenha movida pelas fissuras econômicas que aflige os menos afortunados, aqueles que sofrem por não conseguir alcançar os padrões impostos por um capitalismo sedutor e indiferente aos sofrimentos dos que ficam a margem do sistema.

Jeon Go-Woon mostra uma coréia para poucos, e aos "vencedores" custos insanos. Mi So (Esom) tem um estilo de vida simples e com poucos prazeres, whisky, de forma moderada, e cigarros. As novas tarifas acarreta aumento nesses produtos e nos aluguéis. Com uma decisão sem muita hesitação, Mi So adota um novo estilo de vida, sem abrir mão de seus maiores prazeres, whisky e cigarros.

O novo estilo de vida de Mi So, ainda mais minimalista, traz inúmeras descobertas, principalmente acerca dos seus melhores amigos, e de suas fragilidades e posicionamento diante da vida em um país sedento pela felicidade instantânea, do consumo, do bem estar palpado em excessos e futilidades.

A fotografia é bem desenvolvida com enquadramentos e composições minimalistas acompanhando o arco dramático da protagonista.

Um filme com uma mensagem bem precisa e direta a cerca de nossa relação com o que realmente importa, ao final, sabemos que nada levamos dessa vida.

magnetlink Microhabitat 2017

Lendas PtBr

Minamata

 

Por Pachá

Eugene Smith figura na lista dos melhores fotógrafos documental do mundo contemporâneo, capturou o cinismo e a crueldade de conflitos. E o desastre ambiental de Minamata, seu último trabalho, lhe conferiu ainda mais o caráter questionador de um mundo no qual os sapiens faz muito pouco pelo planeta e menos ainda pela sua própria espécie.

O desastre de Minamata foi causado pela contaminação da água por mercúrio, e consequentemente o peixe, alimento fundamental na dieta japonesa. Eugene é contactado por moradores, Aileen (Minami) da ilha de Kyushu para dar força ao movimento de denúncia contra a corporação Chisso que está envenenando a água e alimento dos moradores.

Falido e distante da família Eugene esta decidido a dar um outro rumo a sua vida, mas as dívidas e  próprio ofício de fotografar, seu verdadeiro lastro de vida, exercem grande presão e ele força o editor da Life, Bob (Bil Nighy) a lhe enviar para Minamata para cobrir esse evento.

A atuação de Deep é irretocável e em minha percepção um dos melhores atores de sua geração, ele encarna o estado perturbador em que se encontrava o fotografo, afundado na bebida, drogas, desanimado e carregado de remorso pelo distanciamento da família com uma atuação em apelos dramáticos exagerados.

A fotografia de Benoit Delhomme que também fez um primoroso trabalho em Portal da Eternidade, mais uma vez encanta com lindas composições, uma luz igualmente deslumbrante confere aos eventos poderoso elemento narrativo.

As atuações são cuidadosas, Sanada como líder ativista entrega excelente atuação, Minami é o ponto de conexão entre o mundo acidental, Eugene e o oriental, tem ótima presença de cena.E na vida real eles acabaram se casando.

A fotografia é uma pequena voz, na melhor das hipóteses, mas às vezes uma fotografia, ou um grupo delas, pode atrair nosso senso de consciência.

Eugene Smith

A fotografia de Benoit Delhomme que também fez um primoroso trabalho em Portal da Eternidade, mais uma vez encanta com lindas composições, uma luz igualmente deslumbrante conferindo uma narrativa fluída, atraente e apaixonante para quem se dedica a linguagem fotográfica.

Minamata tem em sua trama o caráter denunciador, documental é também atrativo do ponto de vista de entretenimento, um filme que merece ser visto por qualquer um dos motivos apresentado.

magnetlink Minamata 2020

Legendas

The Colony

Por Pachá

O crítico literário Frederic Jameson disse certa vez que é mais fácil imaginarmos o fim do mundo do que o fim do capitalismo, e a julgar pela quantidade de filmes que segue esse pensamento, Jameson está sendo certeiro até aqui.

O filme de Tim Fehlbaum é interessante pois fala sobre o planeta Terra e de uma sociedade, elite, interplanetária que conseguiu imigrar, se é que o termo pode ser usado para fronteiras planetárias, quando a Terra se tornou inviável para a vida. O que decorre é que o planeta em que essa elite conseguiu se fixar, Kepler, não está muito a favor de abrigar os terráqueos. Eles tentam voltar pra Terra, mas para isso é preciso saber se o ambiente está favorável a vida. Expedições são montadas para verificar a qualidade do ambiente.

A trama é sob o ponto de vista da astronauta Blake (Nora Arnezeder) que faz parte da segunda equipe enviada para verificar o planeta, a primeira não teve sucesso. 

Sem contar com muitos aparatos dos sci-fi movies, Tides a Colônia está mais para um Mad Max na água, ou seja, um filme pós apocalíptico, sem aprofundamentos científicos ou mesmo filosófico, há breve diálogo do antagonista, Gibson (Iain Glen) embasado no conceito europeu de civilização. As atuações são convincentes e em conjunto com o suspense, garante boa imersão na atmosfera proposta pelo roteiro.

A fotografia é bem carregada em sombras com paleta monocromática e com boas composições, seja em cenas externas ou internas.

Um bom filme que não esconde os poucos recursos, mas compensa em criatividade.

magnetlink Tides The colony 2021

Legendas PtBr

Settlers

 

Por Pachá

Histórias em que o roteiro deixa grande margem para imaginação do espectador, invariavelmente rendem bons filmes, claro desde que, o conjunto, atuação, arte e fotografia façam sua parte. O primeiro longa de Wyatt é imerso naquilo que esconde mais do que mostra, diálogos curtos, atuações precisas e uma trama que prende atenção

O casal Ilsa (Sofia Boutella) e Reza (Jonny Lee Miller) vivem em um lugar inóspito, em um planeta em processo de ocupação. Eles tem uma filha, Remmy (Brooklynn Price). Um certo temor rondam a família, que logo sabemos se tratar de invasores que estão tentando tomar o local. 

Com uma atmosfera pós apocalíptica, nos lembrando que os começos são sempre conturbando quanto os fins, o roteiro trabalha o que seria uma convivência em prol do bem comum. A fazenda que parece abandonada, é uma espécie de oásis em meio a rochas e areia. E seu verdadeiro herdeiro, Jerry (Ismael Cruz Cordova) toma posse, e a despeito dos efeitos colaterais, a vida deve prevalecer. A convivência com Jerry parece facilitar as coisas, já que ele sabe como tirar desse "oásis" tudo que é preciso para sobreviver. A pequena Remmy não se afeiçoa pelo novo "hospede" mesmo ele sendo gentil e cordial com ela. 

Os rostos mais conhecidos são do Transporting Miller e da atriz/dançarina Boutella. As atuações, são o ponto forte, principalmente Ismael, Prince e Nell, já que a personagem de Remmy é que possui o grande arco dramático, pois sabemos tudo sobre ela. E de fato as duas atrizes entregam boas atuações, não há pieguices, drama exagerados. Nell Tiger que teve ótima presença na série To Old to Die Young, está em papel de semelhante introspeção, e se há um afrouxamento de sua atuação, me parece que foi mais pelo roteiro, que entra em contradição quando nos diz a todo instante que o meio está moldando o ser, mas para Remmy que nasceu e cresceu nesse planeta, isso parece não valer.

Settlers esbanja criatividade em um filme de ficção, que em nenhum momento vemos naves ou grandes aparatos high tech como é de costume no gênero, não que isso não importe, importa sim, mas é preciso criar a verossimilhança interna, e isso Settlers cumpre muito bem.

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Legendas PtBr

Cabeça de Nêgo

 

Por Pachá

O estudante Saulo (Lucas Limeira) desencadeia uma ocupação na escola em que estuda após sofrer racismo em sala de aula. Influenciado pelo ativismo dos Panteras Negras Saulo passa a denunciar as péssimas condições da escola, e com isso coloca em alerta as forças de inescrupulosos gestores escolares e políticos igualmente corruptos.

Com uma direção segura e montagem atraente, o primeiro longa de Deo Cardoso capta com certa precisão o vigor juvenil de mudar o mundo, ou ao menos, a escola em que estuda, porque não. E assim se dá a jornada de Saulo que mesmo diante de uma realidade esmagadora e desfavorável, toma conscIência de seu lugar e poder de mudança local, e como tal influência os demais alunos que acreditam que a educação e a escola tem papel fundamental, na formação de uma sociedade melhor e justa.

As atuações são muito bem dosadas em suas cargas dramáticas e conflitos, ainda que contenha diálogos expositivos e didáticos, como por exemplo a cena da reunião de professores, em que os diálogos sofre de certa preguiça, mas não compromete a trama e os eventos. 

Além de trazer a pauta do racismo, o filme também explora a força juvenil quando bem embasada em pleitos legítimos em prol do coletivo. E também a importância da leitura para fugir da alienação e tomada de consciência.

O cinema do Cearence mostra que está em grande fase, com produções de temas diversos mas sempre com poder questionador.

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