Esculpir o Tempo

Por Pachá

Tarkovski que é filho do poeta Arseny Tarkovsky, se considerava mais um poeta do que um diretor, ele também relata que só se considerou verdadeiramente um cineasta quando fez A Infância de Ivan. E até esse ponto, ele acreditava que o cinema nada tinha a ver com sua vida. No Instituto Estatal de Cinema eles não assistiam a filmes, pois se acreditava que os alunos ficariam impregnados de vícios ou visão equivocadas do que é fazer cinema...a influência nociva do Ocidente.

Esculpir o tempo foi escrito a partir de uma insatisfação com as teorias que norteavam o cinema naquele momento.

"Percebi que, em geral, o reconhecimento dos princípios da minha profissão dava-em mim através do questionamento das teorias estabelecidas e do desejo de expressar a minha própria compreensão dos princípios fundamentais da arte que se tornou uma parte de minha pessoa"

Tarkovski tinha plena convicção de que a arte é o meio pelo qual o ser humano alcança sua plenitude espiritual, e isso é bastante presente em suas obras, dado a sua criação e crenças cristãs. Assim como é explicado por ele a falta de símbolos em seus filmes, ele diz que não usa simbologia, a chuva em seus filmes significa chuva pois em sua terra natal, as chuvas duravam dias, e portanto fazia parte da vida, e é isso que ele tenta e se esforça para captar em seus filmes, a vida, o belo e o sublime e a poesia contida nos instantes mais comuns da existência. O cinema para Tarkovski é o meio para explorar os problemas mais complexos do nosso tempo.

"arte é preparar a pessoa para morte.."

Há um critica feroz ao cinema comercial, ele diz não entender como há uma explicita preferência ao lixo comercial ao invés de Morangos Silvestres de Bergman ou O Eclipse de Antonioni...

Truffaut responde..." a função primeira do cinema é o entretenimento"

E Tarkovski replica...

"Não sou artista de salão, não cabe a mim manter o público feliz"

As impressões de sua arte e os caminhos destas, são a prova de que o ser é fruto de seu tempo, e suas criticas a vanguarda, a arte e artistas que produzem arte destituído de sentido é a decadência do mundo contemporâneo e a morte do próprio cinema enquanto arte. Para Tarkovski o tempo inexoravelmente vai expor o vazio de uma obra que, cuja expressão, não contenha uma visão única e pessoal do mundo.

A impressão que fica ao terminar o livro é que pairava certa dúvida quanto a caminho ser trilhado pelo diretor enquanto artista, e entender esse processo era o mais fundamental para Tarkovski. O cinema como qualquer arte sofre os impactos tecnológicos, esta transforma e molda sociedades, e fiquei com essa impressão quando ele, Tarkovski, diz abominar a montagem em que há divisão de tela (split screen) na qual mostra coisas simultaneamente acontecendo, ou mesmo a vanguarda. O livro foi publicado em 1984, e como mesmo deixa claro o autor, ele não foi escrito em um único momento, e sim com intervalos de tempo, o que ele pede perdão pela falta de unidade nos pensamentos. E certamente foi finalizado quando o autor residia em Paris, onde veio a falecer em 1986. Lembrando que nesse período o socialismo soviético sucumbia diante do inexorável avanço do capitalismo, e sem dúvida isso, de uma forma ou outra, afetou arte e artistas que nasceram e cresceram naquele regime.

Parte 1 de 2

Parte 2 de 2

A infância de Ivan

Por Pachá

Baseado em um conto de Vladimir Bogomolov no qual retrata o empenho e desejo de vingança de um garoto, Ivan (Nikolay Burlyaev) que tem a infância abruptamente interrompida pela guerra. 

Tarkovski não era o diretor inicial para o projeto do estúdio MOSFILM, que tinha a intenção de realizar esse filme muito aderente a obra literária, que possui um cunho intensamente belicoso. Incialmente entregue a Mikhail Papava, um roteirista que havia emplacada algumas obras, não agradou o estúdio que então entregou o projeto para Tarkovski ficando Papava e Bogomolov com o roteiro, que ainda sim foi inteiramente alterado, pois Tarkovski empregou uma leitura mais humana ao roteiro.

Com planos e movimento de câmeras belíssimos, a narrativa trata sobretudo da "eterna" luta entre homem e natureza, o conflito entre homens, no caso a II Guerra Mundial, tem como maior vítima, além dos próprios humanos, a natureza que assim como uma criança é pura e desprovida de ímpetos destrutivos, as cenas inicias de Ivan quase fundido a uma teia de aranha e depois passeando pelas árvores, em minha percepção, cria essa alegoria.

Nas passagens oníricas de Ivan, percebemos de onde vem seu desejo de vingança e a necessidade, imposta pelo conflito, para pular etapas da infância caindo direto na fase adulta. Ivan é uma espécie de espião mirim, que por vontade própria, vai pra trás das linhas inimigas para obter informação do exército alemão e ao retornar, cai nas graças de um Quartel General.

A fotografia de Vadim Yusov, que mais tarde vai fotografar Solaris, é muito bem trabalhada no sentido de captar, em enquadramento que são uma aula de composição, a hostilidade desse mundo em que Ivan transita. Em seu primeiro trabalho para MOSFILM, que ditava praticamente todo trabalho cinematográfico soviético da época, interferindo, censurando, ainda sim Tarkovski consegue imprimir uma estética que vai marcar a fase do cinema poético soviético, estética essa que não agradou ao estúdio e nem ao escritor Bogomolov que assim como a MOSFILM acreditava que o filme seria de difícil compreensão, para o público, por conter cenas de sonhos realizando apenas por transições na própria câmera. Algo muito parecido vimos no Brasil com vestido de Noiva de 1943, peça de Nelson Rodrigues, que se acreditava que seria impossível realizar tal narrativa, de regressão e flashbacks nos palcos.

O fato é que Tarkovski consegue emplacar sua narrativa, com pegada mais humana em detrimento do enfoque militar que esperava a MOSFILM e Bogolomov...isso por si só já dá mostras de porque Tarkovski é considerado um dos maiores diretores de todos os tempos, influenciando diretores como Bergman por exemplo. Essa estética do experimentalismo vai marcar seus filmes seguintes, sempre criando um embate entre homem e natureza, seja essa natural ou esculpida pelo homem.

Um das cenas mais belas, do ponto de vista da fotografia, é também uma das que menos aderência tem com a narrativa, a cena do beijo, Masha (Valentina Malyavina), está prestes a ter seu primeiro flerte, e primeiro beijo, é tão surreal, que parece até um sonho, mas que capta essa fusão, nem sempre benéfica, do homem com a natureza, e como o primeiro parece sempre "vencer".

magnetlink - A Infância de Ivan

legendas Ptbr

O Espelho

Por Pachá

Tido pela critica especializada como a obra magna de Tarkovski, o Espelho de 1975, é uma narrativa não linear, para dizer o mínimo, já que o filme se desenrola em fragmentos que mistura passado e presente de um sujeito, Aleksei (Filipp Yankovskiy) que a beira da morte, tem um flashback, em uma tentativa de autopiedade perante seus familiares, pais, irmãos, filhos e esposa.

Com imagens belíssimas, hipnóticas até, que mais lembram um sonho, que por sua vez não está privado de pesadelos, conduz o espectador por um conturbado labirinto de situações e personagens que se misturam a imagens de arquivos, deixando claro, em minha percepção, de que se trata de uma obra autobiográfica a partir da memória do diretor e de como elas se apresentam para ele, dai a montagem mais intuitiva do que cronológica dos fatos. Os elementos sensoriais muito presente na obra do diretor, como vento, música, pintura compõe, essa imagem idílica e ao mesmo tempo árdua da infância que o protagonista quer alcançar, e que não importa se existiu ou não, e sim  o conforto na experiência onírica.

A mim, me impressionou bastante a imagem que ele carrega da mãe, o jeito de segurar o cigarro, o jeito de sentar na cerca, o olhar que por vezes se tornava assustador. A experiência em que a mãe é impelida a matar um galo, é duplamente pavorosa, já que o desconforto da mãe é incorporado a seu próprio terror, a própria visão da mãe como uma espécie de bruxa, que levita é o pesadelo inerente ao sonho. E toda a sequencia em que a mãe por necessidade decide vender os brincos para uma vizinha, é doloroso, humilhante para ambos, mãe e filhos. A cena do fogo na casa do vizinho e o primeiro contato com a morte. São cenas captados por Georgi Rerberg (1937-1999) com um rigor e esmero que encanta e nos deixa a sensação de estar diante de uma obra magnifica.

O título do filme, o espelho, não é a toa, ou uma metáfora particular do diretor, já que se trata de uma obra autobiográfica, e sim como elemento que situa o espectador, e o próprio protagonista, pois é a partir do espelho que há transição entre realidade e sonho, passado e presente. As interpretações são delicadas, principalmente da mãe, Natalya (Margarita Terekhova) presente em quase todas as cenas, e detentora da maior porção de memória de Aleksei, já que seu pai era ausente, e ele perpetuou esse comportamento, sendo ele também um pai ausente, fato pelo qual nutre uma culpa dostoiévskiana, que por sinal há uma cena toda em cima do escritor.

Tecnicamente o filme é um deslumbramento, com encadeamento muito preciso no uso da linguagem cinematográfica, em alternar cor, preto e branco, imagem de arquivo, mas creio que isso se dá pelo conjunto, e não por algo em particular o que torna a narrativa muito rica ainda que seja fragmentada e sem muito sentido, mas é assim que são os sonhos, um desencadeamento de imagens e fatos que não fazem o menor sentido, mas que alguma forma marca a realidade tão logo emergimos do mundo onírico. 

Certamente o Espelho é desses filmes que ganham o rótulo de chato, por possuir desenrolar lento e sem muito sentido, e que requer muita abstração, em saber que uma obra não precisa necessariamente, para ser boa, estar carregada de sentindo, basta sim estar tudo muito arrumado com imenso poder de verossimilhança, que possa nos convencer de que isso é possível, ainda que não faça sentido, mas que de alguma maneira possamos sentir que é possível.

The mirror - magnetlink

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STALKER 1979

Por Pachá

STALKER narra a jornada mística de três indivíduos até o "quarto" onde se é possível realizar os mais recônditos desejos. Esse "quarto" fica em uma área denominada "zona", protegida pelas forças armadas que tenta inibir qualquer tentativa de ingresso. O acesso a essa área é possível apenas com os guias STALKERS, indivíduos de muita fé e despojados de interesses particulares, muito embora eles cobrem para guiar, mas nunca entram no quarto.

A arte do filme impressiona pelas locações e fotografia, que inicia com cenas preto e branco, mas quando entra na "zona" ganha colorido.

Trata-se de uma trama de ficção cientifica pós-apocalíptica quando meteorito atinge determinada área, criando em seu perímetro uma espécie de área sagrada, de felicidade uma Canaã para quem tem na fé, objeto de transcendência. Mas que o governo proibi entrada dos cidadãos, por acreditar tratar-se de uma aberração. Embebedado de diálogos vigorosos, entre fé, arte e ciência o filme provoca imersão do homem em sua curta jornada pelo planeta e sobretudo no trato com o próximo. Os três homens configura o ditado de que um mesmo homem não entra duas vezes no mesmo rio. Isso é explicitamente descrito pelo STALKER que diz que cada vez que guia, o caminho se modifica ao passo que ele também.

STALKER não é um filme cerebral, onde somos inundados com pesados conceitos filosóficos, simbolismo etc.. Mas sim um filme que faz e provoca reflexões sobre a fé, e sobretudo, quem trilha seu caminho, e portanto uma estória com diversos significados, pois de forma inteligente nos faz procurar o que não é mostrado nas imagens prontas.

Baseado no livro dos irmãos Strukatski, "Piquenique a beira da estrada" Tarkovski cria convivente ambiente alienígena, ou que restou da passagem desses pela Terra. Mas o que salta aos olhos é a poderosa fotografia, com composições poéticas, de esmero cuidado com, ângulos, textura e profundidade. A fotografia foi realizada a três, Aleksandr Knyazhinskiy (1916-1994), Georgi Rerberg (1937-1999) e Leonid Kalashnikov (1926-2005) que parece seguir o posicionamento ideológico de cada personagem, que possui expressões e crenças distintas.